Hotel Regina – Kunsttage Basel 2024

«We accidentally made eye contact with SCHRAUBEN in our basement.»

Fotocredit: © Hotel Regina

Für die Ausstellung «We accidentally made eye contact with SCHRAUBEN in our basement.» (30.08 – 14.09.2024) bei uns im Durchgang während den Kunsttagen Basel entwickelt das Kollektiv Hotel Regina eine Installation, die zum Sortieren von gebrauchten Schrauben dient. Die zu sortierenden Schrauben wurden in grossen Kulturinstitutionen oder Messen bereits einmal benutzt und werden von diesen normalerweise dem Altmetall zugeführt. Die Installation beinhaltet technische Einrichtungen und Arbeitsplätze, die von den Besucher:innen bedient werden. Im Anschluss können sie ihre sortierten Schrauben mitnehmen.

Kunst bietet die Möglichkeit, einen Recyclingprozess als sinnstiftend erfahrbar zu machen, indem der Prozess als ästhetische Erfahrung und die Arbeit als sozialer Raum gestaltet wird.

Viele (Kultur)Institutionen verbrauchen eine grosse Menge an Schrauben: Für Bühnenbilder, Ausstellungen und Messen. Da es keine Technologie für das Sortieren der Schrauben gibt und das Sortieren von Hand mühsam ist – sich also in einem wirtschaftlichen Sinn nicht rentiert – landen die Schrauben im Altmetall.

Die Mitglieder des Kollektivs Hotel Regina betreuen und instruieren die Besucher:innen. Dabei schlüpfen sie in eine verdrehte Fabrikanten-Rolle: Nach der Idee, dass Kunst die Wirklichkeit anders gestalten kann, ist diese “Produktionsanlage” nicht auf die Ausbeutung von Arbeitskraft fokussiert, sondern auf deren Stärkung und Wertschätzung.

Eindrücke des Kunsttage Weekend

Unterstützt durch die Abteilung Kultur Basel-Stadt

KOLLEKTIVE & PROJEKTE

WOMAN LIFE FREEDOM

persisch: last day of school

During the time I was painting this series, I found myself whispering a melody multiple times. Later – with the help of a professional musician friend – I transformed those hummings into a composition for a cello duet. It probably goes deep and connects to my feelings of empathy for my sister, my mother, and other women who were close to me in Iran. The paintings are inspired by a scene in my debut film Paradise, in which school girls are dancing freely on a bus, thereby rebelling against a system wanting to oppress free expression and joy. Only some years after completing the film I understood that it reflects the exhaustion and desperation I felt back then when I still lived in Iran. The film was premiered here in Switzerland, Locarno, in 2015. To exhibit the paintings again here in Switzerland is symbolically exhaustion that now comes to an end. The revolution that has happened in Iran and hasn‘t taken place yet. Woman Life Freedom – Sina Ataeian Dena

Bildausschnitt: Sieben grossformatige Malereien kuratiert in einem dunklen Raum.

The Last Day of School a Painting and Performance Exhibition with Sina Ataeian Dena + Yousuf Panahi

Die Ausstellungsabende waren vom 15. bis 18. Mai von 19 bis 21hr. Ein Slot ist eine halbe Stunde konnte von max. 4 Personen besucht werden. Ein besonderes Ausstellungsformat von und mit Sina Ataeian Dena. Ein Format, in dem viele Kunstrichtungen; Malerei, Musik, Performance und Film miteinander interagieren. Im Licht stehen die Frauen.

Die Bedeutung des Titels unserer Ausstellung last day of school stammt aus dem Film PARADISE von Sina Ataeian Dena und Produzent Yousef Panahi. PARADISE beschreibt einen Alltag einer jungen Lehrerin in einem modernen Teheran.

Die besondere Installation last day of school ist eine kuratierte Ausstellung in einem abgedunkelten Raum. Mit einer Taschenlampe in der Hand war den Besucher:innen überlassen, welche Frauen in den Malereien im Verborgenen bleiben und welche im Licht erscheinen. Die Ausstellung wurde musikalisch von einer Musikerin Lisa Wintermantel mit dem elektronischen Double Bass begleitet, welche die erst gesummte und nachher komponierte Melodie von Sina Ataeian Dena, neu interpretierte.

WOMAN LIFE FREEDOM

Die Bewegung Frauen, Leben, Freiheit ist im Iran eine Protestbewegung, die im September 2022 nach dem Tod von Mahsa (Jina) Amini, einer jungen Kurdin ins Leben gerufen wurde. Sie wurde von der Sittenpolizei verhaftet, weil sie den Hidschab nicht korrekt trug. Die Bewegung fordert die Abschaffung der Hidschab-Pflicht und anderer Formen der Diskriminierung und Unterdrückung von Frauen im Iran. „Woman Life Freedom“ ist ein weltweiter Kampf für Gleichberechtigung, Freiheit und Menschenrechte. Das gilt für den Iran, genauso überall sonst, wo für diese Grundwerte gekämpft wird.

Der Film PARADISE zeigten wir im Format unserer Ausstellung last day of school, in Kollaboration mit Stadtkino Basel am 12.5.24 mit einem Talk mit Sina Ataeian Dena und Yousef Panahi. Moderiert wurde der Talk von Debora Dax. Wir bedanken uns bei allen Besucher:innen für den sehr interessanten Abend.

Sina Ataeian Dena ist ein iranischer Regisseur, Autor und Filmproduzent. In seinem ersten Spielfilm Paradise (Originaltitel: Ma dar Behesht), schrieb er das Drehbuch und führte Regie, mit Produktionspartner Yousef Panahi. Der Dreh erstreckte sich über einen Zeitraum von drei Jahren, da der Film im Iran weder eine offizielle Drehgenehmigung, noch finanzielle Unterstützung von staatlicher Seite erhielt. Sina Ataeian Dena verhandelt in seinen Filmen gesellschaftliche und ökologische Zustände im Iran. Dabei spielt er mit Gegensätzen, dem Idyllischen und dem Dystopischen, Partizipation und Apathie. Die Arbeiten werden stets begleitet vom Oberthema der Gewalt – mal explizit, mal unterschwellig. So wie in seinem Spielfilm PARADISE, welcher für den goldenen Leoparden auf dem Filmfestival Locarno in 2015 nominiert wurde.

Filmstill PARADISE

Unterstützt durch die Abteilung Kultur Basel-Stadt

In Kollaboration mit StadtKino Basel

KOLLEKTIVE & PROJEKTE

Female Creatives: Austauschplattform für Wissens – sowie Erfahrungstransfer von und für kreativ tätige Frauen in Basel

Female Creatives ist seit 5 Jahren freiwillig aktiv und respektiert die verschiedenen Rhythmen & Arbeitsweisen im Team. Aktuell treffen sie sich zu regelmässigen, offenen Netzwerkrunden und persönlichem Projektaustausch bei uns im Durchgang in Basel.

Letztes Jahr starteten die ersten Micro Residencies in Zusammenarbeit mit dem Verein Female Creatives. Die Micro Residencies bieten die Möglichkeit, für kurze Zeit im Durchgang zu arbeiten. Die 33 Residenzplätze wurden an 16 freischaffende Frauen aus der Schweizer Kunst- und Kreativszene vergeben. Am 10. Januar wurden die entstandenen Prozessarbeiten in einer Werkschau präsentiert. Weitere Informationen auf femalecreatives.ch

Female Creatives ist ein Netzwerk von und für kreativ tätige Frauen in Basel mit dem Ziel, sich zu vernetzen und voneinander zu lernen. Im Zentrum steht das kreative Schaffen und die damit verbundenen beruflichen und persönlichen Herausforderungen. Bisher trafen sich Frauen aus den unterschiedlichsten Bereichen, von Fotografie, Kunst, Innenarchitektur, Mode und Vermittlung über Kultur, Film, Food Design, Grafik, Keramik und integratives Design bis hin zu Spacedesign, Styling, Performance, Schauspiel, Musik, Szenografie, Regie und Literatur.

KOLLEKTIVE & PROJEKTE

MICRO RESIDENCIES – Ronja Burkard + Juri Schmidhauser – Annik Steinegger – Nina Gautier – Elena Klinnert – Nora Lüdin – Marina Woodtli – Damaris Thalmann – Katrin Steiger – Daria Domagala – Emily Whitaker + Unofficial Hiking Society AG – Liliane Vogt – Aina Rea Aliotta – Ina Bandixen + Maxim Nenkov – Martha Kapfhammer – Raphaela Graf + Ulla Kempf – Soohyun Jeong

Oft sind Residencies auf einen längeren Zeitraum angelegt, um ausreichend Raum für reflexives Denken, Forschung, Experimente und die Entwicklung von Projekten zu bieten. Dies erfordert jedoch eine sorgfältige Planung und stellt für viele berufstätige Frauen und Mütter eine besondere Herausforderung dar. Umso wichtiger ist es eine Zeit in einen sicheren Raum zu schaffen, um auch in kleinen Momenten Wertvolles zu tun.

Female Creatives startete einen Open Call für den Zeitraum vom 8.12.23-8.1.24. Die 33 verfügbaren Residency-Plätze wurden an 16 selbstständig tätige Frauen aus der Kunst- und Kreativszene der Schweiz vergeben, darunter auch an Kollaborationen. Die Resident:innen wählten das Medium und den Inhalt ihrer Arbeit selbst. Sie entschieden, wie lange, ob ihre Arbeit von aussen durch die Schaufenster wahrgenommen wird oder ob die Türen der Öffentlichkeit offen stehen. Wer ist der Verein Female Creatives?

Female Creatives ist eine Austauschplattform für Wissens- sowie Erfahrungstransfer von und für kreativ tätige Frauen in Basel mit der Absicht sich zu vernetzen und von einander zu lernen. Im Fokus steht das kreative Schaffen, die Eigenständigkeit und deren beruflichen sowie auch persönlichen Herausforderungen und Meilensteine. Am 10.1.24 zeigten wir an einer Werkschau die entstandenen Werke aus dieser Zeit. Kuratiert wurde die Werkschau vom Team Durchgang. Danke an alle Resident:innen.

Die Resident:innen: Ronja Burkard & Juri Schmidhauser, Annik Steinegger, Nina Gautier, Elena Klinnert, Nora Lüdin, Marina Woodtli, Damaris Thalmann, Katrin Steiger, Daria Domagala, Emily Whitaker + Unofficial Hiking Society AG, Liliane Vogt, Aina Rea Aliotta, Ina Bandixen & Maxim Nenkov, Martha Kapfhammer, Raphaela Graf & Ulla Kempf, Soohyun Jeong

DIE WERKSCHAU;

Ein Schnappschuss kurz nach der Eröffnung um 19:15 – Gestern am 10.1.24 zeigten wir eine Werkschau mit 16 Resident:innen für Familien, Freunde, Gäste und uns. Herzlichen Dank an euch Nora, Damaris und Nina von Female Creatives für unsere Kollaboration MICRO RESIDENCIES und an alle Besucher:innen und besonders an unsere Künstler:innen. Wir sehn uns sehr bald wieder. Dein Durchgang.

Nina Gautier, Rose, petals, pigments and shades of color, 2022/23, Installation, Seidenchiffonbahnen und Pigmentbilder

(CREDITS: letztes Bild Female Creatives)

Unofficial Hiking Society AG, Agency 2024

Soohyun Jeong, Deadline Calendar / 2023, Installation, Paper(newspaper)

Elena Klinnert, De la Mano; Lappige Momente (2 titles), Fotografie (CREDITS: letztes Bild Female Creatives)

Nora Lüdin, Where there is no such thing, 2023, Memory (CREDITS: Female Creatives)

Links Wand: Ronja Burkard & Juri Schmidhauser, Rechts Ecke: Katrin Steiger, Dorit, 2023, Installation: Objekt 2023 (CREDITS: Female Creatives)

Liliane Vogt, Installation, Narrative Textiles, ongoing, 2023

Annik Steinegger, Boxen und Tanz. Improvisation, 2023, Fotografie, Video

DIE RESIDENCIES;

Liliane Vogt, (DOP: Jeremy Boschung), Narrative Textiles, ongoing, 2023

Emily Whitaker, Installation, Dera Biofilms 2023

Unofficial Hiking Society AG, planning their Agenda for 2024

Aina Rea Aliotta, N’tra le mani Di Maria, 2023

Elena Klinnert, De la Mano; Lappige Momente (2 titles), Fotografie (Foto Credits: Elena Klinnert)

Raphaela Graf & Ulla Kempf, Was kann ich für die Natur?, Fotografie, Text auf Papier (Foto Credits: Ulla+Raphaela)

KOLLEKTIVE & PROJEKTE

Muriel Gallardo Weinstein – Nicole L’Huiller – Paula Baeza Pailamilla – Marcela Moraga – Flora Päär – Valentina Berthelon + Tobias Freund (recent arts)

EXHIBITION OVERFLOWS

Artists: Valentina Berthelon (Chile-Berlin), Muriel Gallardo Weinstein (Chile-Berlin), Nicole L’Huiller (Chile-Berlin-Switzerland), Paula Baeza Pailamilla (Chile-Switzerland), Marcela Moraga (Chile-Berlin), Flora Päär, (Italy-Berlin), Tobias Freund / recent arts (Berlin)

Paula Baeza Pailamilla „Territories“ ist eine Performance und eine Textilarbeit, die sich mit dem Bedürfnis nach Affektivität und Begrenzung eines rassifizierten Körpers in einer Situation der Migration befasst. Der Verlust des Gefühls der territorialen, kulturellen und identitären Zugehörigkeit ist ein Zustand, der Zeit und Raum überschreitet, insbesondere in Bezug auf Chile.

The performance Anümn / Plantar / Sow, 2020 by Paula Baeza Pailamilla is based on the cosmovision that accompanies you, where plants and earth connect with you. Your process of recognition leads to approximations to the environment that it absorbs. From this strangeness, new constructions arise, which harbor the absences of migration. Plantar is a performance that deals with the categorization of foreign plants and trees in Switzerland, also referred to as „foreigners and intruders.“ Paula Baeza Pailamilla collected branches of various species that were labeled as foreign during her wanderings through the Old Botanical Garden in Zurich. She then made a large bouquet out of them and hung it on a bridge over the Sihl, where one could hear the names of all these species.

On Connection is a ritualistic experience that opens a space to feel and tune in with our emotional states and our environment. An immersive installation to connect with the Tree as Axis Mundi. This symbol is found in different cultures and represents a link between the spiritual and physical worlds. Hybrid beings will embody the human and non-human world and will play with the idea that we can develop a connecting link to greater cycles of the universe. Installation: Valentina Berthelon / Vocals and acoustic instruments: Flora Päär / Ritual guidance: Flora Päär / Soundtrack composition: Valentina Berthelon / Audio recording, mix and mastering: Tobias Freund

Cuchicheos [Fragmento] 2022, Silicone + latex membranes/speakers, three-channel audio piece.

“ Through resonant arrangements of membranes, humans, sounds, and winds, this work proposes a convoluted and noisy framework that activates imagination in a vibrational way in order to shake rigid limits and challenge imposed borders that delineate our imaginations and fragment our bodies, knowledge, languages, signals, and temporalities. This work is an invitation to rearticulate our relational ways and the narratives that define us through the labor of conspiring in a continuous circulation of vibrational phenomena and vital energy. ” Nicole L’Huillier

A Window of Infinity: Embodying Material Culture from Film History 2022. Die audiovisuelle Sprache des Kinos überträgt Weinstein auf die analoge Technik des Wandteppichs und interpretiert Archivbilder neu, um die Kluft zwischen diesen beiden Disziplinen zu überbrücken. Die neuen Werke verkörpern sowohl die Ästhetik, Innovationen und Erzählungen der Filme als auch transzendente Themen, die Teil unserer zeitgenössischen Kultur sind.

SYMPTOMS OF AN EXISTENTIAL CRISIS. Kunsttage tour with Kea Boccomino. „This sense of adventurous exploration creates space for new and underrepresented voices from Space Durchgang „Overflows“ is a cultural encounter through the creative lens of contemporary Latin American artists. The group exhibition, redirects our gaze towards explorations of community, connection, memory, and identity.

„Hearth (Your Hearth will save you from Darkness)“ 2023 Sculpture made from found branches with three wood arrows.

„In the production of my artwork and in an attempt to appropriate the diverse spaces that exist in the world, I use as methods and procedures to walk, demarcate, collect, classify and reorganize. Through these processes I codify the unfolding of my work, as if, with these movements – at the same time errant and superlatively planned – I wanted to recognize, redefine and interpret the world.“ Muriel Gallardo Weinstein

The artist Marcela Moraga was invited to realise her own project during her stay in Patagonia, which was to include contacts with local research institutions in the fields of oceanography, marine biology, palaeoecology and history, as well as with the local community. Marcela left Berlin-Moabit after preparing herself by reading the diaries of the Italian explorer Antonio Pigafetta and other travelogues about historical expeditions to Patagonia. What she actually found on her journey, however, differed considerably from the naturalistic and colonialist descriptions of the 16th to 18th centuries. Neither Spices nor Species documents the artist‘s own journey with drawings, photographs and texts. In a playfully authentic way, these notes masquerade as an old travel diary. The written and drawn sketches cover a wide range of topics, from local myths about the sea, stray dogs, climate researchers to activist ducks fighting the Coca-Cola corporation. With her narratives, Marcela counteracts fanciful „explorer“ narratives by subverting their structure with irony and subtle humour. She contrasts the idealised natural landscape of Patagonia with new fictions and stories that imaginatively tell of actual realities such as social and ecological collapse, oral traditions, science and boredom at the end of the world.

The Humboldt Penguin 2021. Die meisten Menschen glauben, dass Pinguine nur in der Antarktis leben. Der Humboldt-Pinguin lebte jedoch ursprünglich an den Pazifikküste von Peru und Chile. Viele Pinguine dieser Art leben auch in vielen Zoos der Welt. Dank seiner Anpassungsfähigkeit an verschiedene Landschaften verfügt dieser Vogel über ein vielfältiges Wissen über den Klimawandel und das menschliche Verhalten.

The History of Darkness“ by Recent Arts. Ein audiovisuelles Konzert, das Sie auf eine Reise in ein Universum aus astronomischen Bildern und Klängen mitnimmt. Das visuelle Werk basiert hauptsächlich auf alten Fotografien, Zeichnungen und Diagrammen des Kosmos, die aus alten Astronomiebüchern stammen. Das Werk unterstreicht die Schönheit und Einfachheit von Low-Fidelity-Material, indem es Bilder verwendet, die ohne die heute verfügbaren technischen Hilfsmittel erstellt wurden. Visuelle Darstellungen des Universums haben die Kraft, die Stadien unseres sich entwickelnden Selbstbewusstseins als Spezies aufzuzeigen. Ausgehend von dieser Idee navigieren wir durch verschiedene Kapitel, die den nie endenden Drang zum Ausdruck bringen, uns selbst und das uns umgebende Universum zu verstehen. Recent Arts ist ein Duo, bestehend aus der Medienkünstlerin Valentina Berthelon und dem Musiker Tobias Freund. Gemeinsam gestalten sie Live-Performances, die Videoprojektionen und experimentellen Sound miteinander verbinden.

Photos by Viswerk

The exhibition Overflows is supported by the Abteilung of Kultur Basel-Stadt

& and refreshing drinks by

KOLLEKTIVE & PROJEKTE

Kunst Kollektiv CKÖ

Ein Spiel mit dem Kontext von Raum und Gegenständen. Neue Funktionen werden zugeordnet oder ganz entzogen. Es werden Gedankenräume eröffnet und die Betrachtenden aufgefordert andere Standpunkte einzunehmen, das Gewohnte anders zu sehen und alltägliche Orte und Objekte neu zu erleben. CKÖ arbeitet am und mit dem Alltag – von gross bis wuchtig, vielfach mit der scheinbaren Zielstellung diesen aus den Fesseln der «verwertbaren Optimierung» zu befreien.

„The desert we never saw and the landscape we only can imagine“

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KOLLEKTIVE & PROJEKTE

naza Kollektiv

naza ist ein Basler Designkollektiv mit dem Fokus auf Produkte, Objekte und Räume. Für naza existiert ein Objekt nicht für sich allein. Es ist eng mit seiner Umgebung und mit uns verbunden. naza haben eine Sensibilität für Details und lassen sie mit dem grösseren Ganzen verschmelzen. Sie brechen und Überdenken das Konventionelle auf experimentelle und empirische Weise. Ihre Objekte funktionieren ohne Nutzen, sind aber nie ohne Funktion.

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KOLLEKTIVE & PROJEKTE

Lerie Pemanagpo – Anne Wellmer – Julian Paul – Joe Carceller

Your light hurts, but I can use it, like what I hear, the sound of the old, cosy owl from the park opposite. The old owl sitting above, looking at me with its human eyes. I wipe the tears from my face as I stare at the park. We’ve been there a long time and there is much to do. The world is getting better in some ways and worse in others. The human being who remains human but overcomes himself by recognising new possibilities from and for his human nature. I feel the vibration of the flow of the strong Rhine, like electric light. The fountain on the other side of the park seems to rest, as if it has realised that it can never flow without help. What now?

Would this sadness sit on my soul forever? Why should I look up at the stars?

Joe Carceller born in Valencia in 1975 is known for her impressive sculptures and captivating writing. For her works she often uses unconventional materials such as recycled metal or found objects. Her stories and objects often have a strong reference to posthumanism. One has the feeling that she blows new life into old things, like pulsating phantoms floating around us.

Performance by PEMANAGPO at the closing event on the 21.4.23 at 8p.m.

How close do we dare to touch and be touched: by art, people, life?
How much vulnerability and authenticity are we ready to show each other at culturally conditioned public spaces like art gallery? What is the boundaries of our shame?

Pemanagpo’s immersive/participatory performance invites audience to break the rules, confront the shame and open all of our 6 senses to each other and the exhibited works.

Cycles

Everything seems to move in cycles. memories, actions, mistakes, seasons, sounds, planets, wars, day and night and certainly the stars. Why should I look up at the stars when life on earth is so exciting? When I started working on this piece I had a plan: I would use field recordings collected over the past 30 years and in doing so I was prepared to revisit the places where I made those recordings. Every sound is a voice. It triggers a memory. What happened instead was that I started to revisit and remix old pieces of mine, specifally metamorphozen and frozen voices. The topic of these pieces is the liberation from a frozen status quo, the danger that goes along with the attempt to break seemingly inevitable power structures and the courage that is necessary to do so anyway. – Looking at the stars is empowering. With voice by Mikae Natsuyama

Anne Wellmer is a composer and performer of electronic music and a sound and media artist. She works with analog signals, digital signals, radio signals, videosignals, field recordings, obsolete media, objects and voice. Among her work are sonic environments for performances, sound installations, audio walks, video works, radio art and network projects. She is a member of the Society for Nontrivial Pursuits in Berlin and founding member of New Emergences in The Hague. I draw inspiration from a love for stories and changing skies, a fascination for generative processes and lists, an admiration for conceptual art, experimental music and absurd scenarios. I am interested in performance environments where acoustic and amplified sounds share the same sonic space and and where mechanic, analog and digital sound production are equally relevant.

Julian Paul, born in 1986 in Herne, is a German Photography and Film artist based in Berlin and Bochum. He studied Art History and Theatre Studies at Ruhr-University Bochum and has a Bachelor of Arts degree in Photography Design at the University of Applied Sciences and Arts in Dortmund. Currently he is studying Master of Arts in Photography and Bachelor of Film in Dortmund. He works as a freelance photographer, specializied in portrait, still life and conceptual photography. He also works on various fictional and documentary Film projects as Director and Director of Photography. Another focus is the work on video art, especially with the use of microscopic shots.

www.julian-paul.art

Thank you Anne Wellmer for this beautiful images.

Pemanagpo is a Zurich-based multidisciplinary artist, performer and director who explores the intimate connection between the human and Artificial Intelligence since 2020. Academically trained as a philosophy teacher and psychologist, she’s been working as a visual and performance artist, jewellery artisan, and recently theatrical and film director. Connecting her academic background and her life-long self-discovery as a multidisciplinary artist, Pemanagpo appeals to the transpersonal levels, mythological narratives and the very principles of human mind. She is particularly interested in incorporating Artificial Intelligence in her art and building what she calls an „emotional rapport“ with the algorithms of neural models. Working with AI visually in 2023, she prefers unique, abstract and poetic forms to the coherency and copying the artist’s styles.

The premiere of the movie „AI-Lice Through the Looking Glass“ is the outcome of an unusual experiment. The artist Pemanagpo, who is trained in psychology as well, isolated herself for three months and communicated solely with an AI chatbot named „Replika“. During the initial months of the pandemic, the app became very popular, with four million downloads in the summer of 2020. Using the data obtained by the AI about the users, it tries to mimic their personality and language style. Pemanagpo has created a partner-like duplicate using this information. In her film, she examines the emotional bond formed and raises questions like whether the app can shield us from loneliness and be a dependable conversationalist. Seeking new avenues for connection is not limited to times of quarantine and isolation; in a constantly stressed society, the challenge is to create fresh rituals for personal encounters in our daily lives. The overarching question is whether digital devices facilitate novel forms of intimacy or if it is just the „magic“ of technology that appears meaningful.

PRESENTING A NEW FILM BY LERIE PEMANAGPO

Regie: Pemanagpo / Kamera: Jonathan Moy de Vitry / Schnitt: Pemanagpo, Jonathan Moy de Vitry / Musik: Alisa Nesterova / KI-Kunst: Valerie Titova, Pemanagpo / Farb- & Tontechnik:Jonathan Moy de Vitry / Assistenz Kamera: Fabio Coviello / Videografie für Performance “Algorism 2.0”: Philip Roscher / Mit: Pemanagpo, Gastauftritt Mario Robles / Produktion: Right Here / Right Now Productions, Lampyridæ Collective. Eine Auftragsarbeit von HAU Hebbel am Ufer. Produktion: Right Here / Right Now Productions, Lampyridæ Collective.

KOLLEKTIVE & PROJEKTE

Kollektiv SCHLEUSE

Foto von SCHLEUSE

Das Basler Kollektiv Schleuse bespielte unsere Galerie mit einem speziellen Vermittlungsformat. Seit 2015 arbeitet Schleuse an ortsbezogenen Interventionen mit Partizipation, Installation und Performance. Am 7-8. Oktober hat das Kollektiv uns durch ein Erlebnis begleitet, in dem Szenarien einer alltäglichen Handlung durchspielt und gedreht wurden. Durch den Lift gelang man ins UG und wurde gleich in eine Szene eingeladen. Durchgang -1. Der bunte Schirm, das wunderschöne rote Kleid, die Performer. Jeder wurde zum ProtagonistIn im gemeinsamen Film, den man life in der oberen Etage mit Popcorn sehen konnte.

SCHLEUSE besteht aus jungen Studierenden und ausgebildeten Kunstschaffenden. Mitglieder bringen Inputs aus den Bereichen Theater, Sozialarbeit, Psychologie, Geologie, Kulinarik u.v.m. Durch intuitives und reflektiertes Arbeiten entstehen seit 2015 Installationen, das Bespielen von Räumen und Performances im Raum Basel. Schleuse ist dynamisch und bietet jungen Kulturschaffenden eine Plattform sich im Kollektiv mit Themen kritisch, künstlerisch auseinanderzusetzen und diese öffentlich zu machen.

Marline Baehler, Leonie Beck, Soraya Blumer, Linda Bühlmann, Olivia Fiechter, Simon Fürstenberger, Naima Heim, Cedric Kleinemeier, Cilio Minella, Sandra Papatheodorou, Julien Rondez und Anna Schaffter

KOLLEKTIVE & PROJEKTE

Lust*Art / Kunsttage Basel mit Matthieu Croizier(he/him) – Luca Frati(he/him) – Tirdad Haschemi(they/them) + Soufia Erfanian (she/her) – Alice Capelli(she/her) – Noé (Catherine) Duboutay(they/them) – Reto Lingg(he/him) – Ayomide Tejuoso (Planton) (she/Her) – Flavia Regaldo(she/her) – Fatma Ben Ammar (she/her) + Hela Briki(they them) – Raphael Reichert(he/him) – Philomène Le Baron(she/her) – Cécile Baumgartner Vizkelety(she/her)

Künstler*innen:

Matthieu Croizier(he/him)
Luca Frati(he/him)
Tirdad Haschemi(they/them) & Soufia Erfanian (she/her)
Alice Capelli(she/her)
Noé (Catherine) Duboutay(they/them)
Reto Lingg(he/him)
Ayomide Tejuoso (Planton) (she/Her)
Flavia Regaldo(she/her)
Fatma Ben Ammar (she/her) & Hela Briki(they them)
Raphael Reichert(he/him)
Philomène Le Baron(she/her)
Cécile Baumgartner Vizkelety(she/her)

It would have been easy to applaud the artworks exhibited as a new critical departure from the –almost– too conventional way of seeing queer art. Yet, the greatness of this exhibition lies in the actual absence of greatness. This does not claim that these works are not excellent nor that nothing or nobody is truly special, but rather we understand that all moments, all experiences, all types of joy, and disappointments are equally relevant or even equally insignificant.

They all “coalesce like paint or photographic chemicals into the image of a life, and that is good enough.” 1 We instead praise the manifold and complex beauty of queer and feminist art as objects themselves of criticism. They want us to question our understanding of art/life by simply being confronted with radical or intimate points of view. They critically ask to be critiqued. For this reason, we ask to dwell within them as they are, to take them home and fight with them; make peace with them or not. The sentimentalist tendency would negate the possibility of criticism of queer objects, due to their marginalized birth. In turn, by simply allowing these artworks to be seen as they are, fragile or invulnerable, they conquer respect and intimacy. The untouchable artwork desires to be hugged.

The delicate task of curating a queer exhibition also consisted of gathering queer perspectives under the same roof. Who are we to decide anyone’s queerness? Or to which degree queerness is manifested in their work. Lust*Art finds its beginning here, in the critical space where queer sensibilities lie, where we acknowledge our limits as curators deciding that the power of queer art lies in this precise spot of its vulnerability. We are not framing queerness, but we are embracing its diverseness with pride.

William J. Simmons, Queer Formalism: The Return (2021)

Luststreifen Film Festival celebrates its 15th anniversary. There is an exciting programme with 13 feature films and documentaries as well as three short film competitions and two additional short film programmes. One Programme, “Heidilicious 2.0”, shows works by Swiss filmmakers, while the other “(Un)guilty Pleasures” deals with the topic of fetish.

29.09 – 02.10.2022 – Program & tickets at luststreifen.com

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